Puisque je suis photographe portraitiste, je vais essayer de répondre à toutes les questions que l’on me pose autour de la grande thématique de Comment réussir un portrait ?

J’ai décidé de vous décrire ma démarche pour faire un beau portrait. Je vais faire cela en 3 articles pour pouvoir aborder les 3 éléments, importants à mes yeux, avec lesquels je joue pour arriver au résultat que je souhaite pour chacune des personnes que je photographie. Je prends le parti de ne pas aborder les questions plus “téchniques” du matériel, la focale, le point… Essayez avec votre téléphone si vous voulez, mais faites de belles images pour sublimer la beauté autour de vous.

1 – La composition

2 – La lumière

3 – La pose du modèle

1 – La composition

La règle des tiers

La règle des tiers est valable pour toute image, qu’elle soit photographique ou pas, portraits ou pas. La connaître et la maîtriser est une des bases pour un résultat esthétique. La détourner est un acte posé, un parti pris.

La règle des tiers consiste à imaginer diviser son cadre en trois parties égales horizontales et trois parties égales verticales. Ce qui est fait grâce à 2 lignes horizontales et 2 lignes verticales. Il est “convenu” de placer le sujet de l’image – ce que Vous jugez être le sujet – le long de ces lignes imaginaires.

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En portrait, en fonction du cadrage que vous avez choisi, tâchez à placer la personne sur l’une des lignes – comme dans les exemples ci-dessus, ou bien, si le cadrage est plus serré – les yeux.

Astuce : quasiment tous les appareils photo disposent d’une grille intérieure que vous pouvez activer, ça peut vous guider !

Les diagonales

Dans nos cultures européennes, intuitivement nous faisons une lecture visuelle de gauche à droite et de haut en bas.

Le coin en haut à gauche est celui du début

Le coin en bas à droite est celui de la fin

Donc par habitude, nous séparons une image en 4 parties et nous considérons la partie en haut à droite comme celle symbolisant le succès, alors que celle en bas à droite porte l’idée du déclin.

Lorsque vous réfléchissez et composez donc vos images, vous pouvez prendre en compte ces éléments graphiques et en jouer – apportez du sens supplémentaire à la scène, à l’expression captée et à la personne photographiée.

Exemple, ma jolie Emma qui danse : par les lignes de son geste le regard du spectateur est amené à circuler vers le haut. Ses mains font une boucle, et la position du pied, dans le coin en bas à gauche, renvoie le regard le long du corps et malgré le robe noire (qui ne se détache pas beaucoup du fond) la dynamique nous fait aller vers le haut, en passant par ce sourire radieux qui confirme la mouvement d’énergie.

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Exemple 2 : Le portrait de Juliette ici inclut son visage et sa main jouant avec le collier de perles. De part les contrastes du traitement noir et blanc (choix que vous pouvez retrouver expliqué dans l’article Le portrait photo en noir&blanc ) et de l’inclinaison de la tête, voyez-vous comment votre regard est amené vers le coin haut à droite où il retrouve ce regard empli de douceur et de confiance ?!

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Portrait ou Paysage ou Carré ?

Il s’agit ici du sens et la forme de votre image. Le format le plus répandu est le rectangle à proportions 24×36.

Portrait – une image rectangulaire verticale

Paysage – une image rectangulaire horizontale

Carré – euh… ben c’est une image carrée.

Pour schématiser, je dirais que le cadrage Portrait amène une sorte de concentration sur l’essentiel (de l’image, on est d’accord). Le cadrage Paysage est assez généreux – vous pouvez y “mettre” des décors, des personnes, du vide…

Et le Carré ? Vous pouvez tout faire avec le carré ! Même centrer ! et ce sera beau ! Dans le carré toutes les règles de la composition se retrouvent et même sont comme dédoublées de puissance. Le format carré est parfait pour centrer des objets, pour accentuer les symétries ou pour décadrer les émotions. Faites-en l’essai même en post-traitement.
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Le vide

Le vide dans le cadre d’une photo n’est jamais vide de sens. A vous de savoir si vous le créez à la prise de vue, quelle forme et quelle place il prendra sur l’ensemble, de quoi vous allez le remplir.

Dans mon exemple ci-dessous, j’ai cadré avec de l’espace au dessus de ma fille. Cet espace, dans mon esprit, attend à être rempli. Il y a cette lumière qui descend du haut pour se “glisser” dans l’appareil photo parce que “photographier” c’est écrire avec la lumière. Puis, j’ai envie que toute la possibilité de son imagination prenne place au dessus de sa tête…

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Les différents plans et où couper.

Voici un schéma des différents plans de cadrage, valables aussi bien en photo qu’en cinéma – pratique hein ?!

Si vous regardez bien, ça paraît plutôt logique – en dessous du cou, en dessous de la poitrine …

Ce qui est très important et peut vous guider lors de la séance photo – ne coupez pas aux articulations ! Les coudes, les mains, les genoux, les chevilles. Tout comme le milieu du cou… aïe ça fait mal lorsqu’on voit un cou “coupé” au milieu, essayez, vous verrez.

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En revanche, vous pouvez très bien couper une tête en haut – la plupart du temps on devine les cheveux et cela est tout à fait acceptable pour le regard.

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Et pour le plaisir, voici d’où vient le nom du Plan Américain (je vous ai dit que j’avais un faible pour les western spaghetti ??) : dans les films western souvent le cadrage se faisait à mi-cuisse pour que l’on puisse voir les révolvers et les gestes s’y rapprochant. Epatant, comment se créent les références !

plan-americain-cadrage-coposition

 Conclusion  part 1 Composition

Connaître les règles de composition permet de les détourner ! Il faut savoir comment et pourquoi le faire, cela amène forcément un sens supplémentaire alors il faut l’assumer.

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blais line
12 novembre 2016
Bonjour, merci pour ce cours de composition c'est succinct et très bien illustre. Vous avez de magnifiques photos. Je tenterai le gros plan des ce soir! Merci
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